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KC Carlson
Di KC Carlson
Precedentemente sulla storia infinita (Parte 1) (Parte 2): dopo un’intensa sperimentazione creativa nei primi anni ’70, i fumetti dei supereroi sono rimasti per lo più attaccati alle basi entro la fine del decennio. Ci sono state sorprese molto più creative in anticipo, ma per ora i conflitti più significativi dei fumetti erano dietro le quinte, poiché un sistema di distribuzione in fallimento, combinato con un prodotto fisico scarso, costringerebbe i fumetti a trovare servizi creativi a rimanere in vita. Nel frattempo, numerosi creatori di fumetti erano irrequieti, in particolare il nuovo talento più giovane che era entrato in campo nell’ultimo decennio circa. Volevano anche una migliore presentazione fisica per il loro lavoro, compresi i formati in continua espansione da provare, oltre a migliori condizioni di lavoro e molto più ritorno per la loro creatività. Inoltre, gli effetti della crescente critica intelligente e delle critiche da una base di fan molto più vocale aiuterebbero a spingere i creatori a voli di fantasia ancora più grandi. Tutti questi elementi sembravano indicare che tempi interessanti erano dietro l’angolo all’inizio degli anni ’80.
Le origini grafiche di lunga durata diventano un’idea nuova
Come abbiamo visto, ci sono state numerose storie di lunga durata nei fumetti perché i suoi inizi, principalmente mentre le storie serializzate continuavano da un fumetto all’altro. Negli anni ’70, molto più creatori stavano pensando a storie di lunga durata come obiettivo, come forma suprema e formato del loro lavoro. L’artista Gil Kane e lo scrittore Archie Goodwin (scrivendo sotto lo pseudonimo Robert Franklin) erano i primi pionieri americani in questo sforzo. Nel 1968, la coppia autopubblicata (con numerosi problemi di stampa e distribuzione) il suo nome è … Savage, un romanzo di fumetti di 40 pagine a forma di rivista. Nello stesso anno, Marvel ha pubblicato due storie di Spider-Man a forma di lunga durata (50 pagine più) di Stan Lee e John Romita nel formato della rivista The Spectacular Spider-Man, il secondo piano stampato a colori.
Blackmark
Kane e Goodwin tornarono nella lunga forma nel 1971 con Blackmark, una storia di spada e stregoneria, pubblicata questa volta da Bantam Books come un libro in brossura con 119 pagine di storia e arte. Il progetto ha vinto uno Special Shazam Award per Kane per il suo “romanzo di fumetti di brossura”. Quando è stato ristampato nel 2001, Blackmark è stato bloccato da copertina come “il primo romanzo grafico americano”. Non era: il termine graphic novel non era stato coniato quando era stato pubblicato, e c’erano numerose altre storie illustrate prodotte al di fuori del campo dei fumetti negli anni precedenti, molte in particolare una coppia di immagini di “128 pagine di 1950 digest di dimensioni digest romanzi “rivolti al mercato degli adulti, pubblicato da St. Johns. Il primo, fa rima con lussuria, è stato scritto da “Drake Waller” (Arnold Drake e Leslie Walker) con l’arte di Matt Baker e Ray Osrin. È stato ristampato nel 2007 da Dark Horse Books con una nuova post -parola di Drake. E, come discusso nella parte 1 di questa colonna, gli album grafici europei (che raccolgono storie serializzate) venivano pubblicati già negli anni ’30.
I primi concorrenti per il primo utilizzo del termine graphic novel-tutti pubblicati nel 1976-includono Bloodstar di Richard Corbin (una storia di lunga durata pubblicata come una, cioè non precedente Storie da un sotterraneo fumetti) e Chandler di Jim Stero: Red Tide. Questo libro di dimensioni digest dovrebbe essere molto più considerato un romanzo illustrato, in quanto presenta blocchi di testo piuttosto che palloncini di parole convenzionali. Tutti questi formati alla fine sarebbero stati accettati come “graphic novel” poiché il termine diventava sempre più una parola d’ordine di marketing di una descrizione effettiva della forma. Numerosi creatori che lavorano regolarmente nel formato sono molto più che contenti di chiamare le loro opere semplicemente “fumetti”.
Un contratto con Dio
Il termine “graphic novel” ha guadagnato la sua trazione più significativa in combinazione con la pubblicazione di A Contract with God di Will Eisner e altre storie di Tolement (1978), a sua volta una raccolta di racconti a tema simile piuttosto che una narrazione di lunga durata. Poiché si trattava di un’opera matura e complessa, il termine era parzialmente coniato per distinguerlo dai fumetti convenzionali (a quel tempo principalmente supereroi). Inizialmente, “graphic novel” è stato percepito in alcuni ambienti come “snooty” o “arty” – qualcosa di rimedio quando Marvel e DC alla fine hanno iniziato a produrre graphic novel con le loro star di supereroi. Stan Lee e Jack Kirby hanno prodotto per la prima volta una storia di Silver Surfer di lunga durata nel 1978, sebbene sia stata pubblicata da Simon & Schuster/Fireside Books (non Marvel) e distribuiti solo in librerie, quindi i fan dei fumetti della Marvel casual potrebbero averlo mai perso. Sarebbero pochi anni in più fino a quando Marvel e DC hanno davvero fatto il salto in graphic novel.
Sciabola
Nel frattempo, gli editori indipendenti nascosti si stavano facendo strada con questo nuovo formato di fumetti. Due creatori precedentemente noti per il loro lavoro presso la Marvel, scrittore Don McGrEgor (Killraven) e l’artista Paul Gulacy (Master of Kung Fu), combinati per creare il popolare Sabre: Slow Fade of a Endangered Species, un romanzo grafico di fantascienza Swashbuckling – il primo progetto del nuovo editore Eclipse Comics. Fu tra i primi romanzi grafici ad essere distribuiti nell’allora mercato diretto dei negozi di fumetti, ed era abbastanza popolare da richiedere una seconda stampa e una serie di spin-off. La trama incorporava anche elementi dalle storie di Killraven incompiute di McGregor alla Marvel – che sarebbero diventate in qualche modo una tendenza tanto di più e molto più dei creatori di Marvel e DC si trasferirono agli indipendenti.
Precursori indipendenti
Il primo regno
Altri creatori di Indy stavano già sviluppando la loro nuova serie come opere di lunga durata, pubblicando prima come pezzi di dimensioni capitolo, ma alla fine osservando il formato raccolto come forma suprema che il loro lavoro avrebbe assunto. Iniziato nel 1974, come uno dei primi fumetti pubblicati in modo indipendente, The First Kingdom di Jack Katz fu un lavoro tentacolare e occasionalmente epico che spesso ricordava ai lettori miti classici con la sua narrazione a lungo raggio e che costruisce la civiltà. È stato davvero un progetto unico nel suo genere, alla fine correva a oltre 700 pagine. La prima collezione del primo regno è stata pubblicata nel 1978 e, come la serie Comic, è stata pubblicata da Bud Plant, uno dei principali distributori comici di vendita diretta dell’epoca. Sebbene storicamente significativo, la serie è uno slogan da leggere ed è stata per lo più dimenticata.
Elfquest
Il 1978 fu anche l’anno in cui iniziò l’Elfquest Fantasy Classic di Richard e Wendy Pini. ElfQuest ha una delle storie di pubblicazione più interessanti nei fumetti, dimostrando come il controllo creativo possa comportare un enorme successo. Pubblicato per la prima volta in The Underground Comic Fantasy Quarterly nel 1978, i Pinis sono stati così delusi dalla riproduzione di questo primo numero che hanno formato la propria compagnia-grafica Warp (Warp indicando Wendy e Richard Pini)-e hanno iniziato l’auto-pubblicazione con il numero 2 . (Il materiale trimestrale fantasy è stato successivamente ristampato come Elfquest n. 1, nello stesso formato grafico Warp.) Ciò che era interessante della serie, all’epoca, era che era a distanza ravvicinata-si è concluso con #20. È stato anche pubblicato un numero 21 tra cui lettere di fan e materiale dietro le quinte.
Alla fine, la serie è stata raccolta in belle collezioni a colori, originariamente da indossare/starblaze e successivamente da grafica di Warp. C’erano anche numerose miniserie e serie di follow-up-alcuni dei Pinis, altri di artisti e scrittori sotto la loro supervisione. La saga originale è stata stampata ormai da oltre tre decenni e ha la distinta distinzione di essere ripubblicati da Marvel Comics (sotto la sua epica impronta) e DC Comics (come parte della loro serie di archivi con copertina rigida). Al momento della sua pubblicazione originale, Elfquest era il libro non ufficiale entry-level per i fan di maschio da presentare alle loro amiche per interessarle nei fumetti. Anche l’artista e lo sviluppatore primario di Elfquest, Wendy Pini, è diventato degno di nota come una delle principali sviluppatore femminile in un campo dominato dagli uomini.
Cerebus
Cerebus di Dave Sim The Aardvark iniziò la vita nel 1977 come una parodia animale divertente di fumetti di spada e torta, ma nel 1979, Sim annunciò che Cerebus era in realtà un romanzo di 300 emissioni. Il numero 300 è stato finalmente pubblicato nel marzo 2004, 27 anni dopo, la storia alla fine gestisce 6.000 pagine. Questi sono stati successivamente raccolti in 16 collezioni, soprannominati “libri di telefono” a causa delle loro dimensioni e formato. Cerebus e tutte le collezioni successive furono auto-pubblicate da Sim (inizialmente con la sua ragazza, poi la moglie Deni Loubert; i due in seguito divorziati) con il nome della compagnia Aardvark-vanaheim.
La serie non è stata priva di controversie, principalmente sulla schiettezza del suo sviluppatore e della sua palese misoginia (che Sim chiama “anti-femminismo”). Questa, le sue opinioni sulla religione e le faide pubbliche con altri creatori e personaggi del settore spesso mettono i riflettori sull’uomo invece del suo lavoro. Tuttavia, SIM è stato anche esplicito nelle aree dei diritti degli sviluppatori e dell’auto-pubblicazione, era un primo e enorme sostenitore del Fondo di difesa legale dei fumetti ed è stato molto favorevole ai nuovi talenti, spesso stampando il lavoro dei giovani creatori come backup Caratteristiche in Cerebus. Il fatto che abbia effettivamente finito ciò che ha deciso di finire con Cerebus (assistito dall’artista di fondo Gerhard) è ancora un’impresa eccezionale, specialmente se si considera il numero di progetti impressionanti, ma incompiuti, simili che sporcano il paesaggio dei fumetti.
Ma aspetta … prendi le stelle
Molto prima che iniziassero questi esperimenti di narrazione di lunga durata, c’era un’altra rivoluzione nei fumetti. (Una coppia in realtà, ma il momento dei fumetti sotterranei degli anni ’60 e ’70 è oltre lo scopo di questo particolare – e già troppo lungo – panoramica. Anche se esorto i lettori adulti a cercare articoli e storie di questa affascinante era.)
Star*Reach
Nel 1974, l’ex scrittore DC e Marvel Mike Friedrich (Justice League of America, Iron Man) ha autopubblicato la FIPrimo numero di Star*Reach, un’antologia di fantascienza e fumetti fantasy incredibilmente influenti. In superficie, Star*Reach sembrava solo uno sbocco per i creatori di fumetti frustrati per presentare il loro lavoro al di fuori dei confini restrittivi di Marvel e DC, Star*Reach in realtà colma un divario tra i fumetti sotterranei (con il loro contenuto molto più adulto) e convenzionali Editori a fumetti (che offrono una narrativa eroica in generi non completamente supportati dai due grandi). All’epoca, la parola d’ordine di Star*Reach era “a livello del suolo”.
Frequenti collaboratori di Star*Reach hanno incluso Howard Chaykin, Jim Starlin e Barry Windsor-Smith, tutti contribuendo il lavoro intelligente e maturo che è stato un passo di sviluppo essenziale per ciò che il mezzo potrebbe realizzare oltre i supereroi. Allontanandosi dalle condizioni restrittive della Marvel e DC hanno permesso al loro vero talento, in particolare alle loro opere d’arte – di aprirsi e diventare qualcosa di straordinario. Ha anche permesso a questi artisti di mostrare i loro talenti formabili come scrittori, segnando una svolta essenziale nella loro carriera.
Ciarlatano!
Altri contributi significativi a Star*Reach includevano Neal Adams, Frank Brunner, Gene Day, Steve Englehart, Michael T. Gilbert, Dick Giordano, Steve Leialoha, Lee Marrs, al Milgrom, Grey Morrow, Dean Motter, P. Craig Russell, Dave Sim , Walt Simonson, Steve Skeates, Mary Skrenes, Ken Stacey, Joe Staton, Mike Vosburg, Len Wein, John Workman e l’autore di San Francisco Roger Zelazny. Pubblicato anche da Star*Reach è stato Quack!, un’antologia altrettanto influente (sebbene meno apprezzata)-animale.
Star*Reach ha cessato la pubblicazione nel 1979, prima che tutto ciò che ispirasse avesse un punto d’appoggio, ma alla fine, era un collegamento essenziale con il futuro dei fumetti, insieme allo stesso modo, ma in altri modi-influenti metalli pesanti e il bizzarro colpo unico Big Apple Comics, che è stato pubblicato da Flo Steinberg – “Gal Friday” della Marvel durante i loro tempi d’oro ’60. Sia la porta di stella*e il pesante metallo erano anche essenziali nello sviluppo del romanzo grafico a lungo termine con le loro caratteristiche serializzate raccolte. E entrambe le stelle*Reach e la grande mela erano primi esempi di fumetti indipendenti autopubblicati. Molto più di entrambi erano in arrivo.
Fumetto “Realismo”
Il “realismo” è diventato una grande parola d’ordine nei fumetti di supereroi tradizionali a partire dagli anni ’80. Basandosi sul lavoro rudimentale (e successivamente di Roy Thomas) di Stan Lee nel presentare una caratterizzazione tridimensionale molto più nei fumetti Marvel, i supereroi e i loro cattivi sono diventati sempre più complessi nel corso dei decenni. Gli antieroi (all’inizio, essenzialmente “buoni” personaggi che usavano discutibili implichi per raggiungere i loro obiettivi o quelli che sono stati “spinti troppo lontano”) come il Punisher e Deathlok (che entrambi hanno usato le pistole) hanno iniziato a essere introdotti negli anni ’70 , riflettendo personaggi simili che stavano diventando popolari nei film (molti dei quali sono stati rappresentati dagli attori Clint Eastwood e Charles Bronson). Tuttavia, il “realismo” nei fumetti era spesso tutt’altro che realismo se applicati a personaggi che occasionalmente giocavano al biliardo con i pianeti. Tuttavia, il termine ha portato a una discussione di fan intensi negli anni ’80, soprattutto incentrata sul libro X-Men della Marvel e sui popolari personaggi Wolverine e Phoenix.
In questo periodo, Wolverine veniva interpretato come un personaggio che avrebbe regolarmente ucciso altri personaggi minori, solo perché si stavano bene. Ciò ha portato a intense discussioni sul fatto che tali azioni fossero adatte in un personaggio che era presumibilmente un eroe. In fondo alla strada, numerosi fan si sono resi conto che forse non lo era. Quindi, il dibattito. I fumetti si sono rapidamente divisi in due campi: quelli che pensavano che questo lo rendessero un personaggio “più fresco” e quelli che erano sconvolti dalle sue azioni. Questo scisma si trova ancora oggi tra i fan dei fumetti.
Fenice
Il caso di Phoenix era persino molto più interessante. Avendo rifatto il vecchio personaggio di Jean Grey/Marvel Girl in un nuovo personaggio (Phoenix) con poteri cosmici apparentemente fuori controllo, i creatori di X-Men hanno fatto spazzare via completamente una corsa di esseri alieni (D’Ani) nel tipo di thr